fEin beweglicher Aluminiumstab, der sich in den Raum öffnet, spielt im Einklang ohne Anfang und ohne Ende. Sie wirken wie eigensinnige Geschöpfe der Architektur. In diesen glänzenden Metallnetzen scheint eine Spinne zu arbeiten. Sondern Skulpturen des Künstlers Gego.
Das Netz als Symbol menschlicher Beziehungen, die Linie als Beziehung zwischen Punkten in der Luft: Damit wurde Gertrud Goldschmidt, die sich seit ihrer Kindheit Gego nannte, zur Vorreiterin eines neuen, offenen, modularen Skulpturbegriffs, der sich durchsetzte. und Nachhaltigkeit in den 1960er Jahren. Er eroberte den Raum und sah etwas, das möglich war. Metall, für viele Bildhauer jener Zeit Ausdruck von Schwere und Kraft, war für ihn eine eigenständige, eigenständige Form der Zeichnung im Raum.
Mikado ist zu einem Design geworden, das kleine, elegante Design hob die vielgeschätzte geometrische Abstraktion Lateinamerikas auf eine andere Ebene und verwandelte die Konzepte der amerikanischen Minimal Art in flüchtige, schimmernde Umgebungen. Seine Installationen und Skulpturen sehen schön aus, weich und verspielt, körperlich und geistig, wie Geister, die aus der Zukunft herabschweben – und doch so technisch, dass ein ausgebildeter Designer wie Gego so etwas schaffen konnte.
Hinter der Nachfrage nach Gegos Fähigkeiten
Die LGDR Gallery repräsentiert den Nachlass von Gego. Derzeit stellt er Skulpturen und Gemälde in Paris aus, was auch eine Gesamtausstellung in der Jumex Foundation in Mexiko begleitet und Retrospektiven im New Yorker Guggenheim Museum (ab März 2023) ankündigt. In Hamburg, wo Gego 1912 in die Bankiersfamilie Goldschmidt & Söhne hineingeboren wurde, und in Stuttgart, wo er Architektur studierte, wurde er bereits in Museen ausgestellt. Aber man muss sich mit der Welt auseinandersetzen, in Organisationen und am Markt.
Die Preise reichen von 20.000 US-Dollar für Gego-Papierarbeiten bis zu 3,5 Millionen US-Dollar für größere Skulpturen, die schwer zu finden sind. Die meisten Werke kosten weniger als eine Million, was für die Künstlerin, die laut Galeristin Dominique Lévy neben Eva Hesse und Louise Bourgeois steht, nicht so viel ist.
Der Blick in die Schau „Gego. Linien im Raum“, Galerie LGDR Paris
Quelle: © Fundación Gego/mit freundlicher Genehmigung von LGDR
„Unser Ziel ist es, Gegos Bedeutung in der Kunstgeschichte zu platzieren“, sagt Lévy in einem Interview. “Der Markt wird sich selbst folgen.” Der Schweizer ist einer der bekanntesten Händler überhaupt, historische Ausstellungen gehören seit jeher zu seinem Programm.
Nun führt er seinen Salon nicht nur mit seinem langjährigen Partner Brett Gorvy, der wie er über das nötige Know-how des House of Sale verfügt, sondern auch mit Jeanne Greenberg Rohatyn, der Gründerin der Galerie Salon 94 und der Tochter -Gesetz eines New Yorker Politikers. und Investmentbanker Felix Rohatyn. Vierte im Bunde ist Amalia Dayan, die Enkelin des ehemaligen israelischen Verteidigungsministers Moshe Dayan und Ehefrau des New Yorker Investors, Sammlers und Kunsthändlers Adam Lindemann – der einst die Galerie Luxembourg & Dayan leitete.
Mit Standorten in Paris, New York, London und Hongkong zielt LGDR darauf ab, eine flexiblere Galeriestruktur in einem zunehmend von Megagalerien dominierten Kunstmarkt einzuführen. „Wir glauben nicht an die Vertretung einzelner Künstler, sondern an ein kollektives, projektbasiertes Modell. Wir finanzieren Produkte, ohne Künstler daran zu hindern, sie mit unseren Partnern zu teilen“, sagt Lévy, der Künstler von Italien über Korea bis nach Taiwan und Shanghai beschäftigt . Neben Sonderausstellungen stehen Lehre und Forschung auf seiner Agenda, sowie eine dringende digitale Bibliothek, die Bilder und Texte zugänglicher machen will als den Galeriebetrieb.
Gego floh nach Venezuela
Dominique Lévy traf Gego einige Jahre nach seinem Tod im Jahr 1994. 2015 wurde er der erste Galerist in Amerika (nach Betty Parsons, die auch Jackson Pollock und Willem de Kooning vertrat), der mit Gego zusammenarbeitete; Die venezolanische Regierung hat ihm sogar die Installation von “Chorros” geliehen, mit der Erlaubnis, diese Metallnetze, die von der Decke herabfließen, zu restaurieren. Es ist möglich, dass Gego heute seine Aussage wiederholt, dass sein Gedächtnis für seine Arbeit nicht wichtig sei. Denn ohne seine Lebensgeschichte ist sie nicht vorstellbar.
Gertrud Goldschmidt war das sechste von sieben Kindern. 1939 verließ er als letztes Familienmitglied die Stadt Hamburg, um den Nazis zu entkommen – er warf den Hausschlüssel höflich in die Alster. Er ging nach England, wo seine Verwandten lebten, bekam aber nur ein Reisevisum. Er bestieg ein Frachtschiff nach Venezuela, ohne ein Wort Spanisch, aber mit einem Diplom der Technischen Universität Stuttgart in der Tasche: damals eine der weltweit besten Universitäten für Architektur mit engem Bezug zum Ingenieurwesen.
Mit ihrem Mann, dem deutschen Geschäftsmann Ernst Gunz, gründete sie in Caracas ein Innenarchitekturgeschäft, in dem sie Lampen und Möbel herstellte. Die Zunahme von Öl und Einwanderung brachte Geld in die Kassen des Landes, das in seine Infrastruktur investierte – und bald auch die kinetische Kunst förderte, die sich, ähnlich wie Konkrete Kunst und Op Art in Brasilien, mittlerweile zu einem nationalen Phänomen entwickelt.
In Caracas entwarf die Architektin, heute Mutter von zwei Kindern, Bars, Restaurants und den ersten Nachtclub, bevor sie sich dem Unterrichten zuwandte. 1951 trennte sie sich von ihrem Mann und verliebte sich in den Künstler Gerd Leufert, der ihr lebenslanger Freund wurde. Er ermutigte Gego, sich der Malerei zu widmen, die er seit langem in Form von Zeichnungen und Collagen praktizierte. Er reiste durch Europa und fing an, kleine Skulpturen aus Pappe und Draht herzustellen.
Skulptur des Künstlers Gego
Quelle: © Fundación Gego/mit freundlicher Genehmigung von LGDR
So abstrakt seine Arbeiten auch sind, eine Beziehung zum Körper ist immer erkennbar. Und während sich die Entfernung der Geometrie in Brasilien mit Lygia Clark, Hélio Oiticica und Jesus Rafael Soto, in Deutschland mit der Zero Group und in den USA mit Agnes Martin und Frank Stella neuen Maßstäben öffnete, besuchte Gego die Ausstellung des visionären Architekten Buckminster Fuller 1960. im Garten des New Yorker Museum of Modern Art.
Er konnte seinen Tetraeder aus Aluminiumrohren und das runde Dach aus drei Seiten nicht loslassen. Raum, Leere, Licht, Linie, Linie, endlose Triangulationen und Verkettungen sind es, die ihn antreiben „Reticulárea“: Maschen mit modularen Knoten erobern den Raum und bilden, damit die Struktur stabil bleibt, ein Dreieck.
Sozialverhalten, Reden über das wirkliche Leben, Skulptur als Ort der Begegnung und Interaktion prägten fortan sein Werk – während der Rezeption von Maurice Merleau-Pontys „Phänomenologie der Wahrnehmung“ durch Schriftsteller wie Robert Morris, Richard. Serra und Eva Hesse schufen Skulptur als Medium für körperliche und räumliche Wahrnehmung. Diese Idee, dass die Skulptur die Umgebung beschwört, Energie hinzufügt und – im Gegensatz zu seinen männlichen Kollegen – Bewegung, Transparenz und Leichtigkeit vermittelt, hält seine Arbeit bis heute lebendig.
Selbst die kleinen Metallstatuen, die bei LGDR in Paris zu sehen sind, haben zum Teil noch etwas Symbolisches, sie scheinen auf beängstigende Weise zu atmen und ein Eigenleben zu führen. Als wären die geodätischen Kuppeln von Buckminster Fuller zu eigenständigen Metallschöpfungen geworden, die wie Poesie aufladen.
